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De la tradición a las galerías: Kindi Llajtu presenta su obra en Galería Baobab

obra de arte de kindi llatju
obra de arte de kindi llatju

¿Alguna vez te has preguntado cómo se ve la sabiduría indígena dialogando con el arte contemporáneo internacional? En @Entrevist_Ando nos sumergimos en las historias que transforman nuestra mirada cultural, y esta semana la cita imperdible es en Bogotá.

El maestro indígena inga Kindi Llajtu inaugura este sábado 19 de septiembre su nueva exposición individual: “De Naturaleza Espiritual” en la Galería Baobab.

Casi tres décadas después de su primera muestra individual con este mismo nombre (1998), Llajtu retoma el título desde la madurez artística y espiritual para reconectar con la cosmovisión inga. Tras presentarse en 2025 en este mismo espacio con “Entre la Huella y el Color” y de cautivar a Italia con “Pescatori di Colori” en Génova, el artista regresa al país con una propuesta de resistencia cultural e interculturalidad.

“La obra de este artista indígena de la comunidad Inga, que ha ido ganando reconocimiento gracias a un desarrollo que implica, por una parte, una profundización en las posibilidades de la pintura, y por otra, una búsqueda introspectiva acerca de las enseñanzas que emanan de las tradiciones, experiencias y certidumbres de su gente, constituye no sólo una manera de expresión individual, sino también un camino para el reconocimiento de una particular idiosincrasia y de una sabiduría milenaria (…) Llajtu domina los secretos de la pintura occidental gracias a su entrenamiento académico, pero lo importante es que utiliza sus conocimientos y destrezas para construir un lenguaje de alcances universales que le permite expresar y testimoniar, más allá de los límites de su pueblo, los orígenes y valores de su cultura”, comentó Eduardo Serrano, crítico y curador de arte.

Lo que única su obra:

• Técnica y textura fascinantes: Fondos densos, texturados y multicolores creados capa por capa que engañan a la vista: parecen rugosos, pero al tacto revelan una tersura sorprendente.

• Legado vivo: Fusión de sabiduría ancestral aprendida desde niño con rigor académico.

• Trayectoria global: De finalista del Premio Fernando Botero (2005) y mención en el Salón Cano (1997), a ferias como ARTBO, Art Market Budapest y Luxembourg Art Week.

El artista considera su obra como: “En mi pintura hago el ejercicio de colocar color para luego retirarlo, el de dibujar para luego cubrirlo, el construir y deconstruir; el ir y volver es lo que hace que juegue con el tiempo, las formas y espacios vividos, para traerlos al presente. Me inspiro en imágenes y relatos, símbolos, personajes, ceremonias, instrumentos rituales, naturaleza y animales que, en el transcurso de la obra, se mantienen, se transforman o desaparecen, para dar paso a una nueva imagen”.

📍 Lugar: Galería Baobab, Bogotá

🗓️ Inauguración: Sábado 19 de septiembre

Un recorrido por Galería Baobab

Rock al Parque 30 años: Estos son los artistas invitados

Tres décadas no son solo el paso del tiempo; son la memoria colectiva de una ciudad que aprendió a encontrarse a través del ruido, el pogo y la complicidad.

Este 10, 11 y 12 de octubre de 2026, el Parque Simón Bolívar vuelve a transformarse en un santuario colectivo: Rock al Parque cumple 30 años y lo celebra con una nómina que dialoga entre la nostalgia viva, el vigor del presente y las corrientes subterráneas que moldearán el mañana.

La programación de este aniversario teje un relato intergeneracional y geográfico. Figuras determinantes como Mon Laferte, la poesía sinfónica del metal de Apocalyptica y la evocación eterna del rock latinoamericano a través de Pedro Aznar y David Lebón (reviviendo el fuego de Serú Girán) encabezan un cartel de más de 60 proyectos. Con 34 agrupaciones internacionales procedentes de América, Europa y Asia, el festival abre sus fronteras sónicas: conviven el filo gótico de Editors, el trance industrial de Ministry y la mística de Triptykon junto a la vanguardia de bandas como Alcalá Norte y Algiers.

Bandas invitadas: Rock al Parque 30 años

El alma de este encuentro, sin embargo, late en sus raíces. Con 26 proyectos bogotanos elegidos por convocatoria pública —desde el pulso rabioso de Perpetual Warfare y el eclecticismo de Skampida hasta las nuevas texturas de Laura Pérez y Brina Quoya—, el festival refrenda su misión fundacional: el espacio público como trampolín de creación comunitaria. Asimismo, la presencia femenina asume un papel protagónico con casi un tercio del cartel (32.8%), enriqueciendo la sensibilidad artística del encuentro con propuestas como Niña Lobo, Elsa Riveros y Burning Witches.

La conmemoración desborda el parque metropolitano para abrazar las calles. Una red de exposiciones itinerantes en bibliotecas públicas, conciertos de antesala en barrios populares y la publicación del libro Rock al Parque 30 años: Bogotá y las voces de la tras escena, de la historiadora Tatiana Duplat, rescatan la épica humana de técnicos, gestores y públicos. A 30 años de su primer acorde en 1995, Rock al Parque confirma que no es solo el festival gratuito al aire libre más grande de América Latina, sino un manifiesto de ciudadanía donde la música emancipa y congrega.

“A nivel de ejecución, Rock al Parque también ha sido un referente. Desde su creación en 1995, el programa ha respondido a necesidades estructurales del sector musical. En un inicio, frente a la falta de escenarios adecuados para la circulación artística, desarrolló un modelo de gestión que articula convocatorias públicas, curaduría artística, producción, formación, comunicación, alianzas estratégicas y fortalecimiento del emprendimiento cultural, permitiendo una estructura flexible y sostenible que se adapta a las transformaciones del sector y de la ciudad“,Afirmó el Instituto Distrital de las Artes, Idartes, en un comunicado de prensa.

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Pocos rostros encarnan el pulso del rock bogotano como Andrea Echeverry. En una entrevista (con la entidad previamente citada), la vocalista de Aterciopelados viaja al origen de este festival: desempolva los recuerdos de aquel primer e incierto Rock al Parque y reflexiona sobre lo que significa, tres décadas después, sostener un ritual colectivo y gratuito en el corazón de nuestra ciudad.

Cineco Alternatino presenta 20 Años de la MetOpera en Cines

Cinecolombia alternativo
Cinecolombia alternativo

Lo que comenzó en el otoño de 2006 como un proyecto pionero y desafiante impulsado por Peter Gelb, director general de la Metropolitan Opera de Nueva York, ha transformado de manera irreversible la relación entre las artes escénicas de primer nivel y los espectadores globales. Cumplir dos décadas no es solo un aniversario cronológico; representa la consolidación de un modelo cultural sin precedentes: más de 33 millones de boletas vendidas y una red de distribución por satélite que alcanza las pantallas de más de 70 países.

En Colombia, esta conmemoración se vive a través de la alianza exclusiva con Cine Colombia, que para el ciclo 2026–2027 trae un despliegue sin antecedentes: un programa especial de gala conducido por una de las leyendas vivas de la música clásica, tres funciones históricas en diferido y ocho transmisiones simultáneas en directo y alta definición desde el Lincoln Center en Manhattan.La Metropolitan Opera de Nueva York celebra dos décadas de transmisiones satelitales en alta definición con una temporada conmemorativa que llega a Colombia a través de Cine Colombia. Desde su debut en 2006 bajo el liderazgo de Peter Gelb, la iniciativa The Met: Live in HD ha superado los 33 millones de entradas vendidas en más de 70 países, transformando las salas de cine en extensiones directas del prestigioso Lincoln Center.

La celebración arranca el próximo sábado 19 de septiembre con Veinte años del Met en cines, una gala documental presentada por la soprano Renée Fleming. La proyección recopila momentos cumbre de más de 185 producciones operísticas e intervenciones de figuras líricas de renombre internacional como Joyce DiDonato, Elīna Garanča, Jonas Kaufmann, Nadine Sierra y Dmitri Hvorostovsky.

La Gala de Apertura: Más de 185 Arias Inolvidables

La fiesta inicia oficialmente el próximo sábado 19 de septiembre de 2026 con la proyección de «Veinte años del Met en cines», conducida por la célebre soprano estadounidense Renée Fleming. Este documental de gala no es solo una mirada al pasado; es una recopilación cinematográfica que resume más de 185 montajes operísticos transmitidos a lo largo de dos décadas.

La recopilación rescata interpretaciones irrepetibles que han definido la historia audiovisual del canto lírico, contando con la participación de estrellas de renombre internacional como:

  • Elīna Garanča y Joyce DiDonato, mezzosopranos que redefinieron el virtuosismo y la presencia escénica contemporánea.
  • Jonas Kaufmann, aclamado por su intensidad dramática y rango vocal.
  • La memoria imperecedera del barítono ruso Dmitri Hvorostovsky, figura cumbre de las primeras emisiones satelitales.
  • Voces estelares de la actualidad como Nadine Sierra, Sondra Radvanovsky y Peter Mattei.

Esta gala inicial brinda la oportunidad perfecta para que tanto los melómanos consagrados como los curiosos primerizos descubran la evolución tecnológica de las transmisiones: cámaras robotizadas de última generación, planos cinematográficos que capturan cada gota de sudor o lágrima de los intérpretes y sistemas de sonido envolvente calibrados exclusivamente para salas de cine.

3 proyecciones imperdibles de Cine Colombia Alternativo

La celebración no se detiene en el documental retrospectivo. Para revivir montajes que agotaron entradas a nivel mundial, Cine Colombia proyectará tres títulos memorables en diferido, representativos de la era de oro de las grabaciones del Lincoln Center:

  1. Carmen (Georges Bizet) – 21 de noviembre de 2026:Vuelve a la pantalla la histórica función de 2010 dirigida teatralmente por Richard Eyre. Con un magnetismo electrizante, la mezzosoprano letona Elīna Garanča personifica la sensualidad y la indomable libertad de la gitana cigarrera, acompañada por el tenor francés Roberto Alagna en una de sus interpretaciones más viscerales como Don José.
  2. La Flauta Mágica (Wolfgang Amadeus Mozart) – 12 de diciembre de 2026:El clásico familiar ideal para la época navideña. Con la dirección escénica de la multipremiada Julie Taymor (famosa por revolucionar Broadway con El Rey León), esta fábula mágica incorpora títeres colosales y vestuarios de ensueño. Cuenta con Piotr Buszewski (Tamino), Emily Pogorelc (Pamina) y la chispa cómica del tenor mexicano Rolando Villazón encarnando al entrañable Papageno.
  3. Tosca (Giacomo Puccini) – 8 de mayo de 2027:Una de las tragedias más viscerales del repertorio italiano. Ambientada en una Roma sacudida por la conspiración política, la obra confronta a Floria Tosca con el despiadado jefe de policía Scarpia. La producción cuenta con la dirección musical del maestro Yannick Nézet-Séguin y el protagonismo de la gran soprano dramática del momento, Lise Davidsen

Cine Colombia ha dispuesto una tabla tarifaria que premia la fidelidad de sus miembros mediante la Tarjeta Cineco:

  • Salas Múltiplex Tradicionales:
    • Ubicación Preferencial: $145.000 COP (Con Tarjeta Cineco: $130.000 COP).
    • Ubicación General: $120.000 COP (Con Tarjeta Cineco: $105.000 COP).
  • Sala Premium Lumina (Bogotá):
    • Ubicación Preferencial: $165.000 COP (Con Tarjeta Cineco: $145.000 COP).

Las entradas individuales y los abonos de temporada pueden adquirirse a través de las taquillas físicas de los cines participantes, en los portales oficiales www.cinecolombia.com y www.sihaycine.com, o siguiendo los canales de atención de Distribución Películas Independientes (Carrera 13 No. 38 – 85, teléfono +57 1 756 9898, Bogotá).

Reseña de Soul Chain: Frenesí, ritmo y la reinvención del cuerpo en escena

Soul Chain, una de las piezas más desafiantes de la compañía alemana tanzmainz, abrió el telón del Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo a una realidad alterna, donde el cuerpo logra emanciparse a través del pulso implacable del techno;beat tras beat, cada uno de los bailarines se pierde en una senda de amor, disputa y frenesí que logra no ser indiferente para el espectador.

Como autómatas o miembros de una tribu en trance, los intérpretes despliegan una sincronía milimétrica que desafía los límites de la resistencia física: sostienen el cuerpo en media punta durante casi una hora ininterrumpida, cambiando la hoguera ancestral por un teatro que se ensancha al compás de extremidades tensas y siluetas que deforman su propia anatomía. Desde los primeros compases, el espectador asiste a una grieta en la realidad: una ruptura de la Matrix donde la comunidad coreográfica asalta el escenario con movimientos provocadores, extáticos y conducidos por un frenesí milimétricamente calculado

Bajo la dirección coreográfica de la aclamada creadora israelí Sharon Eyal, la compañía del Staatstheater Mainz fusiona la técnica del ballet con la atmósfera hipnótica de la música electrónica para explorar las pulsiones del amor. Aunque su autora plantea el montaje como una reflexión en torno a las relaciones duraderas, la puesta en escena esquiva cualquier cliché romántico; por el contrario, abraza una intensidad cruda y casi animal. En Soul Chain, la multitud se mueve como un solo organismo disciplinado y vibrante, dejando entrever el sudor, la fatiga y la lucha silenciosa del individuo por existir dentro de la masa.

“Soul Chain fue una obra que hace poco menos de una década marcó la danza contemporánea alemana por utilizar un lenguaje rítmico, poético y preciso: un reflejo de algunos de los valores más importantes de esa cultura”, informó en su página web el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo.

Al final, Soul Chain no busca complacer al público ni ofrecer respuestas sencillas sobre el afecto humano; su verdadero triunfo radica en convertir el agotamiento físico en un manifiesto artístico. La música cesa, pero la reverberación del esfuerzo colectivo permanece suspendida en la penumbra del escenario, recordándonos que bailar —como amar o resistir— es un acto de supervivencia compartida que solo cobra sentido cuando se entrega el cuerpo por completo.

La compañía se presentó el 5 de septiembre del 2026 en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

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